lunes, 25 de junio de 2012

Composición coral: Gloria in excelsis Deo



La Misa, un género musical sacro, es una composición coral que traslada a la música a secciones fijas de la liturgia eucarística. La mayoría de las misas son partes de la liturgia en latín, el lenguaje tradicional de la Iglesia católica.

Las misas pueden ser a cappella (para voz sola) o acompañadas por obligato instrumental, hasta incluir una orquesta completa. Muchas misas, especialmente las más recientes, nunca fueron pensadas para ser interpretadas durante la celebración de una misa litúrgica




 Para ser considerada completa, la forma musical debe incluir las siguientes seis secciones, que juntas constituyen el "ordinario"de una Misa:

Partes de la misa
 I. Kyrie. El Kyrie es el primer movimiento del ordinario:
II. Gloria. El Gloria es un pasaje celebratorio de la gloria de Dios y de Cristo.
III. Credo. El texto más largo de la Misa es una adaptación del Credo de Nicea
IV. Sanctus. El Sanctus es una oración doxológica a la Trinidad
V. Benedictus. El Benedictus es una continuación del Sanctus:
VI. Agnus Dei. El Agnus Dei es un arreglo de la letanía "Cordero de Dios":

Otras secciones:
En una misa litúrgica, hay otras secciones que pueden ser cantadas, a menudo en canto gregoriano. Estas secciones, las "particulares" de misa, cambian con el día y estación del año de acuerdo al calendario eclesiástico, o a las circunstancias especiales de la misa. Las particulares de la misa no son por lo general incluidas musicalmente en la misa musical, pero pueden ser objeto de motetes u otras composiciones. Estas secciones incluyen el Introito, el Gradual, el Aleluya (salvo en Cuaresma), Ofertorio y Comunión.




    Gloria in excelsis Deo et in terra pax hominibus bonae voluntatis. Laudamus te, benedicimus te, adoramus te, glorificamus te, gratias agimus tibi propter magnam gloriam tuam, Domine Deus, Rex caelestis, Deus Pater omnipotens.

Link

        Gloria a Dios en las alturas, y en la tierra paz a los hombres de buena voluntad. Te alabamos, te bendecimos, te adoramos, te glorificamos, te damos gracias por tu inmensa gloria, Señor Dios, rey celestial, Dios padre omnipotente.

    Domine Fili unigenite, Iesu Christe, Domine Deus, Agnus Dei, Filius Patris, qui tollis peccata mundi, miserere nobis; qui tollis peccata mundi, suscipe deprecationem nostram. Qui sedes ad dexteram Patris, miserere nobis.

        Hijo unigénito de Dios, Jesucristo, Señor Dios, Cordero de Dios, hijo del Padre, tú que quitas los pecados del mundo, ten piedad de nosotros; tú que quitas los pecados del mundo, atiende nuestra súplica. Tú que estás sentado a la derecha del Padre, ten píedad de nosotros.

    Quoniam tu solus Sanctus, tu solus Dominus, tu solus Altissimus, Iesu Christe, cum Sancto Spiritu in gloria Dei Patris. Amen.

        Porque sólo tu eres Santo, sólo tu Señor, sólo tu Altísimo, Jesucristo, con el Espíritu Santo en la gloria de Dios Padre, Amén.

Gratias Agimus tibi



Música coral - página coral

Cantata Bach: Agimus Tibi

Misa en F major BWV 233: Cantata Bach: Agimus Tibi 
Kyrie Coro 



Música fabulosa, con movimientos que permanecen en la memoria para toda la vida, estoy pensando en el Gloria de la Misa, con un dinamismo y energía revitalizantes –¡qué maravilla de trompas concertadas!

Misa en Sol mayor BMV 236: Xavier Mendoza (Barcelona 2001)



Bach . B Minor Mass-07 : Karl Richter



Kyrie eleison,
Christe eleison,
Kyrie eleison.
        
Gloria. Kyrie     Corno I/II, Oboe I/II, Violino I/II, Viola, Continuo

Gloria in excelsis Deo,        
et in terra pax hominibus bonae voluntatis.                
Laudamus te, benedicimus te,    
adoramus te, glorificamus te.       
Gratias agimus tibi propter magnam gloriam tuam.                

Aria B  [Bajo]     Violino I/II, Viola, Continuo
Domine Deus, Rex coelestis,        
Deus Pater omnipotens,            
Domine Fili unigenite Jesu Christe,         
Domine Deus, Agnus Dei, Filius Patris.
.    
Aria S [Soprano]  Oboe solo, Continuo     
Qui tollis peccata mundi,         
miserere nobis,            
suscipe deprecationem nostram.   
Qui sedes ad dexteram patris,       
miserere nobis.             

Aria A [Contralto[  Violino solo, Continuo
     
Quoniam tu solus sanctus,         
tu solus Dominus,             
tu solus altissimus Jesu Christe.
   
Coro  I/II, Oboe I/II, Violino I/II, Viola, Continuo 
    
Cum Sancto Spiritu in gloria Dei Patris,

Comparto el Aleluya de Händel

miércoles, 30 de mayo de 2012

Die Fledermaus, ( El Murcielago): Johann Strauss II

Johann Strauss II era el rey indiscutible de la música de baile en la corte vienesa del Emperador Francisco José.


El libreto de Die Fledermaus (El murciélago) fue redactado por Carl Haffner y Richard Genée sobre dos fuentes, un exitoso vodevil francés de Henri Meilhac y Ludovic Halévy, frecuentes libretistas de Offenbahc, titulado Le Réveillion (La Nochebuena) y por otro una obra de teatro alemana, Das Gefàngnis (La prisión) de Julius Roderich Benedix.



Die Fledermaus (El Murciélago) se estrenó triunfalmente el 5 de Abril de 1874, en el famoso Teather an der Wien, donde también habían estrenado obras Beethoven y Schubert.
El texto es de una calidad deslumbrante para el género, y bajo la pátina superficial del entretenimiento ligero y alegre podemos descubrir todo un comentario crítico con la alta burguesía de la época.



Resulta sorprendente que, mientras en otros países los tiempos se rigieran por un estricto código moral en lo que respecta a los roles sociaes y sexuales, la corte vienesa permitiera la exhibición pública de una comedia en la que se celebra de manera tan abierta la libertad sexual "Chacun à son goût!", los entretenimientos lúdicos, la "bella chispa divina" del alcohol y la "joie de vivre". Es escasamente imaginable que una obra semejante, a no ser que se hubiera tamizado hasta lo irreconocible en la censura, se representara, por ejemplo, en la contemporánea Inglaterra de la reina Victoria o en la España de la Restauración.

Giuseppe Verdi

 RIGOLETTO: VERDI

 


Rigoletto (Luciano Pavarotti, Edita Gruberova, Ingvar Wixell; Riccardo Chailly, 1982)


La donna è mobile
qual piuma al vento
muta d'accento
E di pensiero.
Sempre un a mabile
leggiadro viso,
in pianto o in riso,
è mensognero.
La donna è mobile
qual piuma al vento,
muta d'accento
e di pensier,
e di pensier,
E di pensier!
E' sempre misero
chi a lei s'affida,
chi a le confida,
mal cauto il core!
Pur mai non sentesi
felice appieno
chi su quel seno,
non liba amore!
La donna è mobile
qual piuma al vento,
muta d'accento
e di pensier,
e di pensier,
e di pensier!


Jealous courtiers decide to play a trick on the court jester, Rigoletto, who has been mocking them for being the victims of the Duke’s seductions. However, Rigoletto’s own daughter Gilda has also been wooed by the Duke. The courtiers have her abducted, Rigoletto pays an assassin to kill the Duke for seducing Gilda, but it is she who is killed instead.


RIGOLETTO: THE STORY↩
ACT I.↩
 

In the ducal palace. Courtiers jest about the Duke’s amours. Some are jealous of his attentions to their wives and daughters and accuse Rigoletto his jester, of aiding him in his intrigues. They agree to be avenged on Rigoletto and pay him in his own coin. Monterone comes now to demand reparation for an outrage to his daughter. Rigoletto mocks him, and Monterone, mad with rage and indignation, upbraids both the Duke and Rigoletto. The Duke orders Monterone’s arrest, but before being taken away the prisoner launches a father’s curse on the jester. Thinking of his own daughter, Rigoletto quails before Monterone’s malediction.

ACT II.↩

A house of retired appearance with garden surrounded by high wall. Sparafucile, a bravo, offers to rid Rigoletto of any enemy he may have for a consideration. The jester tells him he has no present use for his services but will remember him. Rigoletto lets himself in by the door to garden and fondly embraces his daughter Gilda, whose love is one consolation. She, in her seclusion, is kept ignorant of the world. He tells Giovanna, her attendant, to always closely guard her. The Duke comes on scene and glides in by the gate, unknown to Rigoletto, and the latter departs. Gilda, who thinks the Duke a student whom she has seen at church, at first repels his advances, but gradually he hears from her lips that she loves him. The expected return of the father frightens the girl and she prevails on the Duke to leave. Then the masked conspirators enter to abduct Gilda, and, meeting Rigoletto, persuade him it is Count Ceprano’s wife they are after, and he willingly joins them. They place a bandage over his eyes, and he holds the ladder as they scale the wall and abduct his daughter. It is only as they are carrying her off that he hears her cries for help. Recognizing the voice and tearing off the bandage he sees that Gilda is gone. “The curse!” he cries and falls.

ACT III.↩

Room in the Duke’s palace. The Duke bewails the disappearance of Gilda. He wonders where she can be when the courtiers enter to tell him of a great joke—they have abducted the mistress of Rigoletto and she is now in [3] the palace. The Duke, suspecting it is Gilda, flies to join her. Rigoletto enters. He pretends not to know anything, but they watch him closely. They tell him the Duke is still sleeping, but when he makes a rush to get out and they oppose him, he knows the truth, and at first furious, at last pleads with them to give him back his daughter. They are surprised at his revelation, but they will not listen to his prayers nor heed his struggles and tears. At this moment Gilda enters and rushes to her father’s arms. The courtiers retire and Gilda confesses her shame. She tells her father how the Duke, as a student, won her heart only to end in ruin and dismay. Her father calls down the vengeance of heaven upon the libertine. Here enters Count Monterone escorted by guards on his way to prison. He wonders if it is vain to utter a curse on the dastard Duke. As he passes on, “No, no!” exclaims Rigoletto, for he will avenge them both with a blow that will prove fatal. Gilda’s love, though, is still strong enough to wish to save the Duke from harm.

ACT IV.↩

A tumble-down building divided by a wall from the open country. Gilda tries to persuade her father that the Duke is true to her. Rigoletto tells her to look through a crevice of the wall and she sees the disguised Duke embracing Maddalena and ordering wine. Sparafucile wants Rigoletto to let him know if this man is to die. Rigoletto tells him to wait. (Here comes the great quartette.) Gilda, seeing for herself, is convinced that the Duke is false, but she trembles for him as she departs. Rigoletto now concludes his bargain with Sparafucile to kill the Duke. The latter, on the inside, tells the cut-throat that, as a storm is brewing, he will stay all night, and goes to bed. Maddalena implores Sparafucile not to kill him, but the bravo says he has been paid for it and must do it. Maddalena persists, and Gilda, who has returned dressed as a boy and, listening at the gate, hears Sparafucile promise that if anyone else comes along he shall be killed instead. Gilda thereupon, out of love for the Duke, resolves to sacrifice herself in his stead. She knocks at the gate, it is opened, Sparafucile advances, seizes Gilda—a stifled cry and silence. Soon after Rigoletto returns and demands what he has paid for. Sparafucile drags out a sack and throws it at his feet. Rigoletto gloats over his victim. Suddenly he hears the voice of the Duke and then sees him passing in the background. Who then, is this? He tears open the sack, looks closely and with a great cry falls senseless over Gilda’s corpse.

PERSONAGES.↩
DUKE OF MANTUA     SPARAFUCILE
RIGOLETTO     GILDA
COUNT MONTERONE     MADDALENA
COUNT CEPRANO     MARULLO


Link

 

Giuseppi Verdi:La fuerza del destino

Ópera Escrita en: 1861.Idioma: Idioma italiano.Compositor: Giuseppe Verdi
Libretista: Francesco Maria Piave. Primera representación: 22 de noviembre de 1862
Arias: Morir, tremenda cosa, Oh, tu che in seno.
Director: James Levine
Leonora: Leontyne Price
Don Àlvaro: Giussepe Giacomini
Don Carlos: Leo Nucci
Marquès de Calatrava: Richard Vernon
Preciosilla: Isolde Jones
Padre Guardiano: Bonaldo Giaotti





Giuseppi Verdi: Bella Figlia dell'amore .


 

 

Giuseppe Verdi: Nabucco: Va Pensiero



 

Consultar el Blog de Julio Cesar Morán

 

Referencias Musicales

Adjunto un link al New York Times con referencias a estos compositores.
Esta referencia es del crítico musical norteamericano Anthony Tomassini en una revisión de temas de estos  compositores publicada por el Times el 18.01.2011:


Mozart: La Flauta mágica

La Flauta mágica de Mozart.

Les adjunto algunos links al Aria "Der Vogelfänger bin ich ja", de La Flauta mágica de Mozart.
Anton Scharinger canta el aria "Der Vogelfänger bin ich ja" 
Link





https://youtu.be/DpMCRXyW7nk
.............................

Traducción al Ingles del texto en Alemán

    * Der Vogelfänger bin ich ja, (The birdcatcher yes I am,)
    * Stets lustig heissa hopsasa! (Always happy, eh ha ha!)
    * Ich Vogelfänger bin bekannt (I am a well-known birdcatcher)
    * bei Alt und Jung im ganzen Land. (By old and young in all the land.)
    * Weiß mit dem Lokken umzugehn (White with the luring decoys.)
    * und mich aufs Pfeiffen zu verstehen! (To understand me on the pipes.)
    * Drum kann ich froh und lustig sein, (Therefore I can be glad and merry)
    * Denn alle Vögel sind ja mein. (Because all birds are mine!)

    * Der Vogelfänger bin ich ja, (The birdcatcher yes I am,)
    * Stets lustig heissa hopsasa! (Always happy, eh ha ha!)
    * Ich Vogelfänger bin bekannt ( I am a well-known birdcatcher)
    * Bei Alt und Jung im ganzen Land. (By old and young in all the land.)
    * Ein Netz für Mädchen möchte ich; (I would like a net for girls.)
    * Ich fing sie dutzendweis für mich! (I’d catch them for me.)
    * Dann sperrte ich sie bei mir ein (Then I locked them up with me)
    * Und alle Mädchen wären mein. ( And all the girls would be mine.)

    * Wenn alle Mädchen wären mein, ( If all the girls were mine,)
    * So tauschte ich brav Zukker ein. (Then I’d exchange good sugars)
    * Die welche mir am liebsten wär, (The one that was my dearest,)
    * der gäb ich gleich den Zukker her. (I would equally give sugar.)
    * Und küsste sie mich zärtlich dann, (And she kissed me tenderly then,)
    * Wär' sie mein Weib und ich ihr Mann. (She’d be my woman and I her man.)
    * Sie schlief an meiner Seite ein; (She’d fall asleep at my side;)
    * ich wiegte wie ein Kind sie ein. (I’d rock her to sleep like a child.)

Mamfred Hemm canta la misma aria



https://youtu.be/DpMCRXyW7nk PAPAGENO

Versión de William Workmann



Etiquetas:

* Röschmann * Keenlyside * Papageno* The Magic Flute, * Die Zauberflöte
* Colin Davis, * David McVicar * Mozart opera




https://youtu.be/ZZo0klTdVGg

Papageno: Detief Roth
                  Gaële Le Roi 



Papageno: Detief Roth. Papagena: Gaële Le Roi. DIE ZAUBERFLÖTE.

He rescatado algunas otras versiones en urbanoperu.com

Resumen de la opera
 
HERMAN PREY PAPAGENO

martes, 29 de mayo de 2012

LA RELACIÓN DE LA MÚSICA CON LA FILOSOFÍA: A PROPÓSITO DE JEAN SIBELIUS.

Aristóteles enseña que "la música imita directamente, es decir, representa las pasiones o estados del alma - apacibilidad, enojo, valor, templanza, y sus opuestos y otras cualidades; por lo tanto, cuando se escucha música que imita cierta pasión, se es imbuido por la misma pasión".





La música es una de las facultades que han caracterizado al hombre durante todo el proceso de hominización y de civilización y que se mantiene vigente en las relaciones comunes del hombre actual.  Recordamos que la música existe desde la prehistoria como expresión ritual o manifestación armoniosa en la relación del hombre con la naturaleza, y que ella evoluciona con el pensamiento del hombre, es evidentemente procesual y se desarrolla al ritmo de la naturaleza humana.

En esta evolución los filósofos son los artistas de las identidades nacionales, son las más lúcidas conciencias y las voces más autorizadas de los procesos que dan un giro a la historia, de allí que se encuentra filósofos que han dedicado parte de su quehacer a reconocer y a exaltar la utilidad de la música en el desarrollo del pensamiento y las innovaciones en el filosofar y la constitución integral de las personas.




La música es factor importante que influye en la formación humana. La influencia de la música en la formación de la persona no sólo se da en cuanto crea un clima particularmente propicio para despertar las facultades creadoras, sino también porque puede dar vida a la mayor parte de las facultades humanas y favorecer su desarrollo. Esta integración de la música en la vida humana suscita diversas aptitudes en los individuos, puesto que es un elemento dotado de un enorme poder de inspiración y tiene la capacidad de influir considerablemente en la actitud, los estados de ánimo, las emociones y los actos humanos.

La filosofía, como madre de las ciencias, hace su aporte directo o indirecto al desarrollo y constitución de cada una de ellas. La música no es la excepción, ya que desempeña un papel importante en la socialización y en la formación de la identidad.



Jean Sibelius
Johan Julius Christian Sibelius, es un compositor finlandés de música sinfónica del siglo XX, a quien el compositor húngaro Béla Bartók lo sitúa entre los grandes autores de su época.





Mostró una prolífica producción, incluyendo piezas inspiradas en la epopeya nacional finlandesa Kalevala. El Kalevala es un poema épico compilado por Elias Lönnrot en el siglo XIX a partir de fuentes folclóricas finlandesas, traspasadas desde las progenies más antiguas a las generaciones posteriores, o a través de las recopilaciones de las narraciones populares hechas por los rapsodas, como son los casos de Arhippa Perttunen y Ontrei Malinen, fundamentalmente en la región de Carelia.





El Kalevala, como reminiscencia y conceptualización metafísica de la generación mítica del pueblo finlandés, a la manera de los cantares de gesta medievales, como el Cantar de Hildebrando Beowulf, las Eddas islandesas, el Cantar de los Nibelungos, el Cantar de Roldán o el Cantar del mío Cid, es una de las epopeyas más sugestivas y notables de Europa.

El nacionalismo romántico fue un elemento crucial en la producción artística de Sibelius, así como en sus intereses políticos. Su referencia a la muerte puede verse claramente en varias de las obras que compuso, entre las que se encuentran Luonnotar y la Cuarta sinfonía. Demostró un profundo amor por la naturaleza; el paisaje de Finlandia moldeó el estilo "natural" de su música.

Luonnotar, op 70
Paavo Berglund conduce y Taru Valjakka canta.





Incluso para los estándares nórdicos, Sibelius respondió con intensidad excepcional a los modos de la naturaleza y al cambio de las estaciones: recorría el cielo con sus binoculares observando los gansos volando sobre el lago helado, escuchaba el canto de la grulla, y el eco de los gritos del chorlito sobre el suelo pantanoso bajo Ainola. Saboreaba cada detalle del florecer primaveral, tanto como los perfumes y colores del otoño.

Anne Sofie von Oter: 6 Songs: I Lenzgesang (op. 50)



Inspirado por la belleza y gracia de su tierra natal, Jean Sibelius se ha mantenido como el más prominente de todos los compositores finlandeses. Sus obras muestran un profundo amor y devoción a su país, y poseen un fuerte sentido de nacionalismo y orgullo. En contraste con esto, un sentimiento de animosidad también está retratado en algunas de sus obras. Esto es debido a su firme oposición a la amenaza de la dominación rusa que estaba limitando la independencia de su país, y el debilitamiento de su identidad nacional.



La mayoría de las obras de Sibelius, en particular, los poemas sinfónicos, se basan en las leyendas y los mitos de su país, y sus patrones melódicos y rítmicos característicos de la música popular finlandesa.
El núcleo de su música es la colección de siete sinfonías. Entre sus más famosas composiciones se encuentran:

• Poema sinfónico Finlandia.
• Vals Triste.
• Concierto para violín.
Suite Karelia :
Karelia:
• Suite Lemminkäinen, especialmente uno de sus cuatro movimientos, El Cisne de Tuonela. :
• Poema musical Tapiola,
Luonnotar:
Kullervo:

La música de Antonín Dvorák

La música de Antonín Dvorák, alma y reflejo de la época nacionalista




De todos los grandes compositores, quizás ninguno, tal vez, no escribió tanta música en tantos géneros, como Dvorak, ya que aún mucha sigue siendo poco conocida e inexplorada. Sus últimas tres sinfonías, el Concierto para cello, la Obertura de Carnaval, Danzas Eslavas, American String Quartet y Dumka, Trío para piano, se encuentran entre las más populares obras en el repertorio musical de Dvorak.



Sin embargo, Dvorak escribió trece obras más que son de una calidad sorprendentemente coherente. Sus sinfonías anteriores y otras obras orquestales más cortas, incluyendo los poemas de tono magistral sobre la base de las fábulas del folklore de los niños rara vez son programadas.



Mientras Rusalka se ha convertido en repertorio estándar, Dvorak es el compositor de otras nueve óperas como Dimitrij, Kate y el Diablo, el Jacobino, y el Rey y los quemadores de carbón; además de muchas de obras más que incluyen las Sinfonías Nos. 7, 8 y 9, el Concierto para cello, el Romance a violín, Canto a la Luna de Rusalka y el Te Deum.



Pero lo más interesante son las obras que rara vez se escuchan: En el reino de la Naturaleza, Mi patria, el Cuarteto de cuerdas 106, la Sinfonía nº 3, La bruja del mediodía, y extractos de El Jacobino y el oratorio Santa Ludmila.

Dvorak tenía un gran don melódico, que es comparable con el de Schubert. Cuando joven tocaba la viola, toco en diferentes orquestas, y aprendió como suena una orquestra desde adentro, y creo que esta experiencia no lo dejó mientras él desarrolló su habilidad como compositor.



Dvorak tenía un don innato para la composición de gran escala, fue su habilidad de puntuación lo que realmente llevo su música a destacar. Las Orquestaciones de Dvorak son mucho más coloridas y personales e imaginativas que las de Schubert, pero en el ámbito de la música sinfónica, no es su orquestación, tanto como la increíble intensidad de las ideas musicales, lo más importante. Con Dvorak las ideas no siempre pueden ser tan intensas, pero están tan bien organizadas, que nos cautivan.



El elemento popular y su amor por su patria son el solista en la música de Dvorak, además una gran parte de su música es tan optimista, que es una especie de música inusual.

Es de destacar el don melódico que tenía, como Schubert, además la asociación profunda con la música folk es más europea, menos angular de lo que se escucha más tarde con Bartok y Janacek.

La prolífica producción de Dvorak, irónicamente, es la razón principal por la que gran parte de su música está por descubrir. Gran parte de sus obras que no se conocen bien serían conocidas si no hubiera escrito tantas piezas.

Por ejemplo la Sinfonía nº 3, una obra en tres movimientos que aún muestra el joven compositor bajo la influencia de Wagner y Brahms. Como una obra de juventud es menos consistente que los ensayos posteriores de Dvorak. Sin embargo, es un trabajo que tiene sus propios méritos considerables.

Esta Sinfonía tiene el atractivo de que es una melodía fantástica. La apertura es una de las grandes aberturas de Dvorak, la forma del pulso suave comienza con las cuerdas y los timbales y los violines cantan esta melodía preciosa que parece tan natural que uno piensa, "¿He oído esto antes? Es tan grande, que sólo viene directamente al corazón.

Es muy posible que la obra mariana más famosa de la Belle Époque sea el Stabat Mater Op. 58 de Dvorák, una composición religiosa que fue adoptada con entusiasmo por coros de todo Occidente, le abrió a Dvorák las puertas de Londres en 1884 y, en EEUU, le proporcionó la popularidad que dio lugar a la invitación para dirigir el National Conservatory of Music in New York en 1891 y que, desde entonces nunca ha dejado de estar en repertorio.

Dvorak escribe muy bien y muy imaginativamente para las trompetas y trombones y emplea muy bien los metales añadiendo un poco de brillo al ritmo y la melodía. La esencia del mundo sonoro de Dvorak nunca está muy lejos de los ritmos furiosos de Bohemia y de la danza. Mucho de su música está insertada con ritmos Checos y quiere ser ágil y como que quiere pensar que todo el mundo este bailando y divirtiéndose. Eso realmente es la clave de la música de Dvorak.



Tal vez, además de la riqueza melódica y de los acentos populares, es la vulnerabilidad y las cualidades humanas de Dvorak lo que continua impactándonos más, cualidades de un hombre un tanto ingenuo y humilde que sin embargo, creó algunas de las músicas memorables jamás escrita Dvorák fue un hombre muy cálido y generoso y creo que eso es algo que siempre sale en su música.

Para los amantes de la buena música, de esas melodías colmadas de aires campesinos, pero que no estaba exenta de sofisticación, muchas veces ignoran que esas deliciosas composiciones tuvieron que encontrar su propio camino. En la hora precisa en la que las cortes reales intentaban restaurar sus privilegios, imponiendo sus oscuros designios y subyugando la libertad de pensamiento a sus intereses.

Antonín Dvorák, fue el gran compositor checo, el incomprendido, en sus primeros años, el obstinado compositor que sufrió y padeció el sistema de fronteras que establecieron los diplomáticos de Viena, situación que sólo conllevó a un estado alarmante y extendido de guerras que corroyeron el corazón de Europa.

En ese contexto, surgen los nacionalistas, un grupo de músicos y maestros de la composición que tratan de conservar sus costumbres, sus ritmos musicales, confabulados con una atmósfera folclórica que los diferencia del resto de músicos europeos. En ese estado, su música se gesta después de la independencia austrohúngara que logra liberarse del yugo opresivo de las provincias checas de Bohemia y Moravia. Por eso, se pude inferir que Antonin Dvorak es alma y reflejo de esa época nacionalista.

En ese sentido Dvorak recoge el acervo popular no sólo de su país, sino de aquellos lugares distantes que lo acogieron con los brazos abiertos. Por ejemplo, al viajar a los Estados Unidos, recopila melodías y ritmos de la música popular indígena y negra. Luego las mezcla con las más selectas piezas europeas. De ahí nace la famosa Sinfonía del nuevo mundo.



En la actualidad, es posible afirmar que en la República Checa contemporánea, la música para piano de Dvorak no ha sido superada. Por eso Dvorak no pasa de moda, gracias a sus ritmos excitantes y sus melodías populares.

La música de Dvorak tiene el mismo efecto imperecedero de los grandes de todas las épocas: desde Mozart, Beethoven, Chopin y ya ubicados en orbes un poco más contemporáneos con aquellos exponentes que fueron ídolos de la juventud. Eso quiere decir que Dvorak escribió para la posteridad. Dvorak es hijo y producto musical del siglo dieciocho. Un siglo colmado de notorias injusticias sociales que influyeron notoriamente en el ambiente musical de la época.

Biografía:

Casta Diva

CALLAS: Casta Diva - Febrero 2015:




 Treinta y siete años después de su muerte, la leyenda de Maria Callas sigue viva. Cuando falleció, de un ataque cardiaco, el 16 de septiembre de 1977, a los 53 años, vivía sola en su apartamento de París, alejada de los escenarios y la vida pública. Pero en la memoria de sus admiradores, la revolución Callas seguía su imparable camino aunque su voz hubiera enmudecido mucho antes. Hay magia vocal, arte y temperamento en sus grabaciones, que constituyen para las nuevas generaciones una lección de canto, de sensibilidad musical, de teatro musical a través de la palabra cantada.

No existe otra artista del mundo de la ópera capaz de generar tal cantidad de reediciones de su legado discográfico, pirata y en estudio. Sus grabaciones oficiales fueron producidas y publicadas originalmente por EMI y constituyen un auténtico filón: entre 1953 y 1965 grabó en estudio 18 óperas, incluidos cuatro títulos que nunca interpretó en escena. Tras adquirir los derechos de explotación de semejante tesoro, Warner ha reunido en una caja 39 obras y un total de 69 discos compactos que recogen los fondos históricos en su día grabados por EMI, más los que en sus primeros años hizo para Fonit Cetra.


Hablamos de dos décadas de arte ante los micrófonos en un itinerario que va de 1949 a 1969; los registros han sido sometidos a un proceso de remasterización que ofrece una calidad sonora sorprendente por el relieve y la presencia sonora de las voces. Esta es la segunda ocasión en que un equipo de ingenieros de sonido en Abbey Road Studios trabaja directamente a partir de las cintas originales grabadas con el sistema monoaural y estereofónico: en este sentido, la edición que presenta Warner supera la anterior remasterización digital realizada en los noventa en los míticos estudios londinenses. La edición, que también ofrece los álbumes por separado, recupera las portadas originales y fotos inéditas de la Divina. Desde el belcantismo de Bellini y Donizetti hasta el repertorio dramático y verista, con especial afinidad con las grandes heroínas de Verdi y Puccini, Callas sorprende por su inimitable capacidad para encontrar el acento y el color vocal idóneo para cada personaje y situación dramática. Así sucede con las versiones de Rigoletto e Il trovatore, dos producciones de Walter Legge grabadas en el Teatro alla Scala de Milán, respectivamente en 1955 y 1956, bajo la dirección musical de Tullio Serafin y Herbert von Karajan.


Encuentra Callas en el inmenso barítono Tito Gobbi una pareja teatral perfecta en el papel de Rigoletto, con un fraseo incisivo y un temperamento fuera de serie. Junto a ellos, el tenor Giuseppe di Stefano luce su canto generoso y apasionado. Serafin fue un director esencial en la trayectoria de Callas: gracias a sus consejos, la joven y entonces oronda soprano que había triunfado en sus primeros años con títulos como La Gioconda, descubrió sus posibilidades en el repertorio belcantista, que recobró su verdadera dimensión gracias a sus hallazgos vocales y dramáticos. El camino siguió con Verdi, y entre sus creaciones, la Leonora de Il trovatore lleva el sello de Karajan, que siempre tuvo debilidad por esta pera que exige las mejores voces para llegar a buen puerto: nadie ha conseguido otorgar tal fuerza expresiva al Miserere como Callas, y toda su interpretación del personaje está llena de hallazgos musicales y teatrales conmovedores. Si añadimos la valentía y entrega de Di Stefano, el talento de Rolando Panerai al servicio del malvado conde de Luna y la espectacular vocalidad de Fedora Barbieri en el papel de Azucena, cabe hablar de una auténtica fiesta verdiana que, más de medio siglo después de ser grabada, vuelve al mercado en las mejores condiciones técnicas.

CALLAS: Febrero 2015: Norma

 CALLAS: Casta Diva: Norma






 Casta Diva: María Callas

María Callas: Casta Diva: La Leyenda



Casta Diva" es un aria de la ópera Norma de Vincenzo Bellini en la que su protagonista Norma dirige una plegaria a la Luna. Norma es una de las cumbres del bel canto romántico y uno de los papeles más difíciles de todo el repertorio lírico.

El aria de la invocación a la Luna Casta Diva se sucede inmediatamente después de la entrada de la sacerdotisa druida Norma en el primer acto, cuando corta una rama de Muérdago como ofrenda. Musicalmente se divide en dos partes: aria y cabaletta.

La ópera fue interpretada por las máximas sopranos de la historia como Giuditta Pasta, Giulia Grisi, Lilli Lehmann, Rosa Raisa, Claudia Muzio, Rosa Ponselle, Gina Cigna y otras pero fue Maria Callas quien le dio mayor trascendencia después de la Segunda Guerra Mundial.

Callas impulsó la revitalización del belcanto romántico y Casta Diva fue su aria emblemática. La sucedieron Joan Sutherland y Montserrat Caballé además de Renata Scotto, Renata Tebaldi, Leyla Gencer, Elena Suliotis, Grace Bumbry, Shirley Verrett, Anna Tomowa Sintow, Gwyneth Jones, Beverly Sills, June Anderson y Edita Gruberová entre las más famosas. Actualmente cantan el aria Anna Netrebko, Mariella Devia, Hasmik Papian, Renée Fleming, Angela Gheorghiu, la mezzosoprano Cecilia Bartoli y otras.

Edita Gruberová: Casta Diva: Norma de Bellini



Renata Tebaldi: Casta Diva: Norma de Bellini

https://youtu.be/8YzuvVRis9Q

Monserrat Caballe: Casta Diva: Norma de Bellini

https://youtu.be/8YzuvVRis9Q

 Der viel zu jung verstorbene Bellini hat hier etwas komponiert, dass man nicht in Worte ausdruecken kann. Keiner der besten Komponisten hat jemals vergleichbares niedergeschrieben!
Frau Caballe ist einer der groessten Saengerinnen unserer Zeit. Es ist einfach wunderbar!

La mejor perfomance que he escuchado de Casta Diva: La maravillosa Monserrat Caballe



Anna Netrebko: Casta Diva



Anna Netrebko: Casta Diva



 Netrebko; Barcarolle



 

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El Barbero de Sevilla

El Barbero de Sevilla

Luciano Pavaroti: Figaro





  
 Juan Diego Flores





factótum.
(Del lat. fac, imper. de facĕre, hacer, y totum, todo).
1. m. Persona de plena confianza de otra y que en nombre de esta despacha sus principales negocios.
2. m. coloq. Persona que desempeña en una casa o dependencia todos los menesteres.
3. m. coloq. Persona entremetida, que oficiosamente se presta a todo género de servicios.        Real academia de la lengua española.

Adjunto referencias a la opera de Rossini: El Barbero de Sevilla

Sinópsis de El Barbero de Sevilla
Figaro es el barbero más famoso de Sevilla y siempre está solucionando problemas ajenos.
El conde de Almaviva, un viejo amigo suyo, va a visitarle para pedirle ayuda, porque a Rosina, de la cual está enamorado, la quieren casar con Bartolo, un hombre mucho mayor que ella. Fígaro y el Conde tendrán que impedir esa boda por todos los medios.

RESUMEN DE LA OBRA EL BARBERO DE SEVILLA DE PIERRE AGUSTIN DE BEAUMARCHAIS

Libreto de la ópera El barbero de Sevilla de Rossini

Estrenada en 1775, esta obra fue representada por la comedia francesa.
En principio tenia cuatro actos, pero al momento de su estreno se aumentaron cinco, como resultados
negativos, por lo cual su autor tuvo que darse a la tarea de reducirla nuevamente a cuatro. Utiliza los temas y la técnica de Moliere (tiene influencia española especialmente cervantina, pues el autor acababa de regresar de un viaje por ese país).

Es inigualable su personaje Fígaro, a la vez que inolvidable y simbólico. En esta pieza, muy famosa por cierto, se despliega la aguda vivacidad, la malicia y espontaneidad características de la comedia francesa y su trama es como sigue: El conde Almaviva esta enamorado de Rosina, pero el tutor de esta la mantiene fuertemente custodiada y encerrada bajo llave para que no tenga acceso a ningún admirador o pretendiente que quiera arrebatársela, ya que tiene planes de matrimonio con ella.

Rosina, por su parte corresponde al amor del conde y picadamente le sigue todos los juegos que él le propone, y que a su vez son aconsejados por un tercero, que es el barbero llamado Fígaro, en cual obra como mediador para poder juntar a los enamorados. Fígaro es el protagonista; sus cualidades son las mismas que poseyera la celestina, pero con mucho mas ingenio y gracia.

La única comunicación entre lo enamorados la constituyen las canciones improvisadas que la una entona desde su ventana y el otro responde desde la calle. Son incontables veces que le conde Almaviva intenta penetrar en la vigilada fortaleza, como caballero, como militar y, finalmente, iluminado por las ideas de Fígaro, logra entrar como reemplazo del maestro Basile, quien daba lecciones de música a Rosina y, que recibe un soborno por desaparecer de escena y permanecer en silencio.

El supuesto maestro hace creer a Bartolo, el viejo tutor, que esta de su parte y que viene a prevenirlo, pues Almaviva y Rosina sostienen relaciones en secreto, y que el acabaría, calumniando al conde y convenciendo a la muchacha de que era un donjuán.

Una discreción de los enamorados hace que el tutor descubra el truco, y por ello aligero los trámites matrimoniales; sale a buscar al notario y ese ingresa a la casa cuando Bartolo ha salido.

Fígaro hábilmente ha robado la llave para permitir así que el conde suplante al tutor en el desposorio, cuando este llega ya es demasiado tarde, pues Rosina y Almaviva ya son marido y mujer.

De esta es testigo don Basilio, con otra bolsa de soborno debajo el brazo. Bartola tiene que aceptar las circunstancias, ya cambio de n rendir cuentas sobre los dineros de tutela firma él mismo os papeles pertinentes.

Hay algunos elementos novedosos, como la relación entre amo y criado, dentro de la cual este último ya no es el subordinado, el que debe obedecer, o el que recibe ordenes, azotes y malos tratos. Por el contrario, es aquel ingenioso consejero, leal amigo que colabora en sus propósitos ganándose el respeto y el afecto de aquel.

La agudeza y la malicia por primera vez en un escenario se levantan por encima de cualquier fortuna. Ya no hay que caerle reverencia a la bolsa de oro, sino a la imaginación creativa del pobre, puesta al servicio de la felicidad de un “compañero”.

Esa presencia de Fígaro es irreemplazable; sin el la historia no tiene u final feliz. Su ayuda es la espina dorsal por la cual fluyen favorablemente los acontecimientos.

Personajes
Rosina, protegida de Bartolo - Mezzosoprano
Doctor Bartolo, protector y tutor de Rosina - Bajo bufo
Conde de Almaviva, grande de España – Tenor ligero
Fígaro, barbero – Barítono
Don Basilio, maestro de música – Bajo
Berta, camarera del Doctor Bartolo – Soprano
Fiorello, sirviente del Conde de Almaviva – Bajo o barítono

La Traviata

La traviata: Parigi O Cara: Gonzalo Bergonzi y Monserrat Caballe: Montserrat




Gonzalo Bergonzi y Monserrat Caballe
Un di Felice Eterea



Comparto este excelente  Blog de Olivia Vicente con una breve referencia a la Opera: La Traviata

Blog de referencia a La Traviata : Canta: Anna Netrebko- Rolando Villazón: Salzburgo 2005

Blog de referencia Piano Mundo Opera : Trama de la Opera

La Bohéme

La Bohéme

Puccini, La Bohéme: Acto 1, parte 4 : Anna Netrebko




La Bohéme: Anna Netrebko: O soave Fancifulla



Comparto el Blog de Olivia Vicente con una breve glosa a la Bohéme. 

El Blog de Don Giovanni presenta el argumento de la Opera en detalle.

Dieter Fisher Dieskau

Comparto algunas canciones del destacado  barítono.

Lieder in memoriam

El intelecto y la emoción se funden; esa es la marca distintiva de la cultura europea civilizada que Dieter Fischer-Dieskau ha representado exímiamente a lo largo de su carrera.

Im Fruhling: Schubert





Du bist die Ruh: Schubert



Der Leiermann: Schubert, Winterreise

Opera Prima

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